INTRODUCTION

Sinergia es un término de origen griego, «synergía», que significa «trabajando en conjunto». San Pablo en sus epístolas fue el primero que utilizó este concepto aludiendo al resultado del trabajo entre el hombre y Dios.

In 1925, the German biologist Ludwig Von Bertanlanffy was the first person to use synergy in a non-theological field with the general systems theory. This theory explained a system that basically consisted of a set of elements that relate to each other in order to achieve one or more goals.

En la fisiología o en la biología, la sinergia es el acto en el que varios órganos o músculos se mueven con el mismo fin, con el mismo objetivo.

In medicine, the synergistic effect is the interaction between medicines, which achieve a different result than if they were administered independently.

En SYNERGEIN Project, la sinergia es la combinación de capacidades y habilidades de sus integrantes (Sisco Aparici, Juanjo Llopico, Marc Moreno, Luís Azcona e Iván Ferrer) desde su fundación en 2014. Esta combinación de talentos es capaz de alejar el próximo desarrollo del límite de la percusión a nivel musical, técnico y pedagógico, tratando el sonido en toda su totalidad. Un sonido, como provocador de una reflexión en el gran público.

Their work is based on a microscopic work on the treatment of sound through analytical processes using new techniques, modification of instruments and construction of new sound objects, as well as a rethinking of classical techniques by revising and cataloguing them in terms of the result with its multitude of possible variants. All this is done through close work with composers.
Their repertoire focuses on the 21st century and the second half of the 20th century, maintaining a strong commitment to musical artistic creation with a large number of commissions from internationally renowned composers such as Pierluigi Billone, José Luis Torá, Hugo Morales, Javier Quislant, Voro García, Adrian Borredá, Clara Olivares, Carlos Fontcuberta, etc.

The members of SYNERGEIN Project identify themselves as artisan researchers of sound, capable of encouraging, inciting and provoking composers to approach the creation of new physical natures of sound.

SYNERGEIN Project, with its activity, reclaims the role that the formation of the percussion ensemble had in the 20th century for the 21st century, as a redefiner of a new concept of the percussion instrument and of the percussion ensemble as a vehicle for new sonorous entities.

SYNERGEIN Project is committed to introducing into our society actions that lead to reflection on life, building channels of connection with the listener.
Una de estas acciones es la secuencia de grabaciones llamada RESISTÈNCIA SΩNΩRA que lanzó en el año 2021 con el CD «RECONSTRUCCIÓN DEL CORTE». Esta serie de grabaciones tiene como objetivo oponer resistencia al tiempo, registrando aquellas obras que comisiona y/o aquellas obras nunca grabadas o importantes en su trayectoria. En 

«ELOGIO DE LA LOCURA», es la segunda RESISTÈNCIA SΩNΩRA. Este trabajo contiene obras comprendidas desde el año 1993 hasta el 2022. Por una parte, está la visceralidad más primitiva unida a la locura con las obras «El Tumbao» y «Tratado de la locura» de Ramón Ramos. La originalidad del compositor mexicano Hugo Morales con «LÜ» para vibráfono preparado y «Wireless» para tres guitarras sin cuerdas. La delicadeza tímbrica del compositor valenciano Voro García con «Liquid Times» y «Immagine sonora di Tarab». Terminando con <41> de Manuel R. Valenzuela. Una obra para 2 apprehension engines con electrónica. Esta obra gira alrededor de la idea de la intertextualidad a través de la simulación y combinación de diversas fuentes sonoras.

PROGRAM

EL TUMBAO

El Tumbao (1993) para multipercusión de Vicente Ramón Ramos Villanueva.
Podemos encontrar información del estilo tanto estético como formal de la pieza gracias al trabajo de investigación del compositor Héctor Oltra.  Ramón Ramos compuso esta obra para multipercusión en su época más madura y se inspira en el ritmo latino del tumbao, fundiéndose con la música más estructural y estocástica de compositores como Iannis Xenakis. Se trataría pues de una transgresión de este patrón rítmico básico del tumbao otorgándole una visión más contemporánea fruto de esta inspiración en la música de Xenakis. La forma de escritura organizada por celdas utilizada en la obra deja constancia de las particularidades que presenta en cuanto a la hora de estructurar el compás métrico y la distribución de las figuras musicales en cada uno de los sistemas, estando profundamente relacionada con la obra para percusión de Iannis Xenakis Psappha (1975).

La elección del instrumental está inspirada en los sonidos de procedencia latinoamericana como los bongos y las congas, a los que se añaden instrumentos como las cajas chinas y otros provenientes de la batería tradicional como el bombo de pedal y los tom-toms. Además, se incluyen instrumentos de tradición oriental como el chinese cymbal o los opera gongs.

En cuanto al estilo compositivo Ramón Ramos utiliza la proporción áurea y la secuencia de Fibonacci para su creación estructural.

TRATADO DE LA LOCURA

Tratado de la Locura (1998) de Ramón Ramos para un percusionista solista con acompañamiento de tres percusionistas escritas durante la etapa de madurez y consagración del compositor.

El propio autor escribió para las notas al programa de su estreno, el 12 de marzo de 1998 en el Palau de la Música de Valencia que “Probablemente el Tratado de la locura sea un sueño desasosegado en el que hay conatos de locura, abismos de amenazas, de sueños inconsumados e impulsos conflictivos de la destrucción de la razón y la búsqueda constante de una visión parcialmente desenmascarada en algunas secciones de la composición (en los «remedios (vals) para la locura»)el tema tratado en la obra está siempre concebido como un diálogo psicológico individual entendido a través de una sensibilidad profundamente alucinada e histérica, pero siempre profunda, penetrante y real”  Ramón Ramos” (PALAU DE LA MÚSICA, 1998: [s.p.]).

Reflejando esta lucha interior la pieza plantea una oposición entre la razón y el orden mostrados por las líneas melódicas interpretadas por los tres percusionistas y el carácter brutal, virtuoso y dramático de la parte del percusionista solista. A nivel instrumental también se evidencia este contraste entre la utilización de instrumentos de afinación determinada (vibráfonos, marimbas, botellas afinadas, voz) por parte de los percusionistas acompañantes y el uso de instrumentos de sonido indeterminado (tambores de madera, talking drum, waterphone) del set-up del solista, formando un despliegue tímbrico muy intenso y heterogéneo.

IMMAGINE SONORA DI TARAB

Immagine sonora di Tarab (2009) para saxofón tenor y multipercusión de Voro García, se basa en el término Tarab (en árabe «arrebato», también «estado extático», «embeleso místico»), que dio origen a la palabra trovador. Tarab se empleaba en al-Andalus para designar el cante.

No se trata de una recreación sonora de tiempos y espacios pasados, tomados en este caso de la cultura árabe. En todo caso, utilizo unos patrones rítmicos (wazn) para elaborar la trama sonora: Malfouf, usado regularmente en composiciones de Raqs Sharqui (Danza del Vientre) para entrar y/o salir del escenario; y el Samai, ampliamente usado en la música clásica árabe.

Se trata de desarrollar una gramática que tiene a la perspectiva acústica como tema central y crear un paisaje sonoro en continua “evolución”. Dicho de otro modo, la elaboración de un discurso sonoro a través de la deconstrución de otro. Sin ánimo de literalidad, más bien como una fuente de inspiración que, en el resultado sonoro final, puede diferir completamente del estímulo primario.

LU

LU (2011) para vibráfono preparado de Hugo Morales. Esta obra se concentra en algunas posibilidades inherentes del instrumento. Por una parte, el uso de técnicas de ejecución que exploran la articulación del sonido en relación a la vibración de sus componentes y, por otro lado, la alteración física con objetos simples de aluminio que extienden el vibráfono. La pieza se construye sobre una figura recurrente de tres alturas de donde emergen una serie de técnicas que se acumulan progresivamente, explorando relaciones entre consonancia, resonancia, vibración y sonidos complejas. «LÚ” es una romanización del sonido de la palabra «aluminio» en el idioma taiwanés.

LIQUID TIMES

Liquid Times (2018) para caja solo de Voro García. Esta obra recoge el concepto agustiniano del tiempo, como medida de movimiento. El tiempo como mecanismo fluido y orgánico, donde presente, pasado y futuro conviven (el pasado y el futuro, en la mente).

El punto de partida para la elaboración del discurso sonoro de esta pieza ha sido un gesto característico en la parte caja de Scheherazade de Kikolai Rimski-Kórsakov. El primer compás de la pieza contiene el objeto sonoro representativo del mismo y, los compases siguientes el “esqueleto del tiempo” como expresión metafóricamente del concepto agustiniano. Luis Azcona muestra su habilidad virtuosa y tímbrica en la grabación de Liquid Times.

La obra es un encargo del VII Festival Percute (2018), patrocinado por NP drums, para ser obra obligada en el IV concurso Internacional de Caja.

WIRELESS

Wireless (2019) para 3 guitarras sin cuerdas de Hugo Morales. Esta obra juega con algunas características sonoras de la guitarra sin el uso de las cuerdas, transformándose así en instrumentos de percusión. Dos guitarras acústicas preparadas con un altavoz interno sirven como resonadores de sus propias cualidades físicas al ser golpeadas en el diapasón con dedales de metal, generando diferentes tonos dependiendo del traste que se golpea mientras que la mano contraria filtra el sonido que sale del altavoz al tapar y abrir la boca de la guitarra. Como tercer instrumento la guitarra eléctrica amplifica el campo electromagnético generado por 4 diferentes transformadores de voltaje colocados en las pastillas y controlados con interruptores por el músico. La obra se desarrolla a través de pasajes fluctuantes y precisos; un bolero eléctrico, re-procesado y ejecutado por un trio de guitarras sin cuerdas.

Wireless es un encargo de SYNERGEIN Project y se estrenó el 23 de agosto del 2019 en la Quincena Musical de San Sebastián.

<41>

Escrita para instrumentos construidos y rediseñados por el propio compositor Manuel R. Valenzuela. Estos instrumentos están basados en el modelo original del compositor Mark Korven.  La “apprehension engines” es básicamente un cuerpo resonante de madera al que se le añaden muy diversos objetos sonoros que son amplificados mediante micros de contacto. Estos sonidos amplificados son a su vez transformados mediante efectos digitales en vivo. Algunos de estos objetos sonoros son p.ej. una especie de zamfoña, una especie de guitarra eléctrica de 3 cuerdas, un tanque de reverberación, diversos muelles, cajas de música, varas metálicas que rebotan en distintos ritmos, etc.

La obra gira en torno a una idea amplia de intertextualidad, mediante la simulación/combinación de músicas/grabaciones sonoras (samples) y de una idea personal de honestidad en la creación que el compositor viene desarrollando en los últimos años.

COMPOSITORES

RAMÓN RAMOS

Vicente Ramón Ramos Villanueva, más conocido como Ramón Ramos, fue un compositor y docente valenciano considerado hoy un referente imprescindible para entender los últimos treinta años de creación musical contemporánea en la Comunidad Valenciana y en España. Nació en Alginet, Valencia en 1954. Sus estudios musicales se iniciaron en el Conservatorio de Música de Valencia, para más tarde, trasladarse a Düsseldorf donde estaría diez años. En su periodo de formación trabajó con compositores como Mauricio Kagel, György Kurtág, György Ligeti, Gerard Grisey, Hans-Peter Haller, Helmut Lachenmann, Wolfgang Rihm, Salvatore Sciarrino, Tristan Murail y Brian Ferneyhough.

De regreso a España en abril de 1983 entra en contacto con los núcleos musicales valencianos y contribuye activa y decisivamente junto a compositores, como Enrique Sanz-Burguete, César Cano, José Antonio Orts, Rafael Mira, Joan Cerveró, Emilio Calandín y Gregorio Jiménez, entre otros, a la difusión y consolidación de la música contemporánea en una sociedad valenciana por aquel entonces muy ajena y alejada de los nuevos lenguajes musicales. En 1998 se traslada al Conservatorio Superior de Música “Joaquín Rodrigo” de Valencia, ocupando la Cátedra de Composición.
Ramón Ramos supone para la música contemporánea valenciana de los últimos 30 años una figura de trascendente relevancia e influencia: sirvió de medio artístico trayendo los nuevos lenguajes musicales de las vanguardias centroeuropeas de finales del siglo XX a Valencia y contribuyó a consolidar la música contemporánea.

HUGO MORALES

Hugo Morales Murguía, compositor mexicano. Tras concluir sus estudios en el Centro de Investigación y Estudios Musicales (CIEM) de la Ciudad de México, se traslada a Holanda para continuar sus estudios de posgrado con el apoyo de «The Netherlands Organization for International Cooperation in Higher Education» (Nuffic), NL, «Fondo Nacional para la Cultura y las Artes» (FONCA), MX, «Prins Bernhard Cultuurfonds» y «Fonds Podiumkunsten» (NL). Tiene un máster en Composición Musical por el Real Conservatorio de La Haya, un máster en Sonología (con «Distinción») por el Instituto de Sonología de La Haya y un doctorado por el Centro de Práctica Musical Contemporánea (CCMP) de la Universidad de Brunel, Londres.

VORO GARCÍA

Titulado en diferentes especialidades, estudió en el Conservatorio Superior de Música de Valencia. Amplía su formación con Mauricio Sotelo y José Manuel López, entre otros. Doctor por la Universitat Politècnica de València.

Ha recibido encargos de diferentes instituciones e intérpretes, como INAEM, JONDE, CDMC, IVC, Auditorio Nacional, Festclásica, Ensems, Rafel Festival, Festival Mixtur, Ministerio de Cultura Francés, Spanish Brass o Ensemble Ascolta. Entre los galardones obtenidos destaca el premio del Instituto Nacional de la Juventud (2004) o el Méliès d’argent. Sus obras han sido programadas en festivales y espacios sonoros de todo el mundo, siendo interpretadas por prestigiosos intérpretes y grupos.

Fundador y creador del Ensemble Espai Sonor en 2003. En su faceta de director ha realizado el estreno absoluto y/o en España de multitud de obras.

Ha sido compositor residente del Grup Instrumental de València (2001/02), JONDE (2006/07), MNCARS (2009), JOGV (2009/10) SOMELGRUP (2013), Festival de Godella (2016), SBALZ (2018) y AGORA (2019). Director artístico de la Mostra Sonora de Sueca (2005-2017). En la actualidad es catedrático de composición en el Conservatorio Superior de Música de Valencia y director artístico del festival Ensems.

Publica sus obras en Babelscores, SB edicions y Ed. Piles.
www.vorogarcia.com

MANUEL RODRÍGUEZ VALENZUELA

Manuel realiza sus estudios de composición en la Escola Superior de Música de Catalunya en Barcelona, en la Academia Sibelius en Helsinki (Finlandia) y en la Royal Academy of Music en Aarhus (Dinamarca). Actualmente vive en Potsdam (Alemania).
Su música se encuentra a gusto entre la diversidad, alternando entre muy distintas técnicas compositivas, medios instrumentales y multimediales. También disfruta organizando el caos en combinaciones inesperadas. Últimamente su discurso se centra en la intertextualidad, reinterpretando piezas del pasado, y en una personal idea de honestidad en el proceso de composición. Es becado para residir en “Künstlerhaus Schloss Wiepersdorf”, en “Künstlerhof Schreyahn”, “Künstlerhaus Salzwedel” en “Schloss Hundisburg” (Alemania), en Casa Baldi-Villa Massimo y Fondazione-Casa Orfeo (Italia) y en el Visby Centre for Composers (Suecia). Es premiado con el premio “Tremplin” del Ensemble Intercontemporain”, con el premio de composición musical del INAEM y Colegio de España, con el premio “Progetto Positano” de la Ernst-von-Siemens Musikstiftung y con la beca BBVA Leonardo.

Fue compositor residente del festival Sampler Sèries de Barcelona. Su música ha sido interpretada, entre otros, por Curious Chamber Players (Suecia), Ensemble Intercontemporain (Francia), Ensemble Mosaik (Alemania), Ensemble Manufaktur für Aktuelle Musik (Alemania), Ascolta Ensemble (Alemania), Aarhus Symphony Orchestra (Dinamarca), miembros del Klangforum Wien (Austria), Orquesta Sinfónica de Barcelona, Orchestre National de Lorraine (Francia), ¡Avanti! Chamber Orchestra (Finlandia), echtzeitEnsemble Stuttgart (Alemania), SWR Radio Symphony Stuttgart (Alemania), CrossingLines Ensemble (España), Grup Instrumental de Valencia (España), Susanna Mälkki, Enno Poppe, etc. Y ha sido programada en festivales como Maerzmusik (Alemania), Rainy days (Luxemburgo), Huddersfield Contemporary Music Festival (Inglaterra), Donaueschingen Musiktage (Alemania), Musica Nova (Finlandia), Klang Festival (Dinamarca), Tzil Meudcan (Israel), etc.

COLABORADOR

PABLO GONZÁLEZ

Concertista internacional, Pablo es un saxofonista valenciano formado entre Burdeos y Basilea dedicado a la música de cámara. Es miembro fundador de 6 grupos en activo actualmente: Klexos, Concept Store Quartet, Anlauf Dúo, Vértex Musikae… grupos que son indiscutiblemente el hilo conductor de su carrera artística, siendo Pablo el músico que es hoy bien en parte gracias a la trayectoria con ellos, realizando numerosos estrenos absolutos: Andreas-Eduardo Frank, Jorge Sánchez-Chiong, Marko Ciciliani, Mike Svoboda, Manuel Rodríguez Valenzuela, Hannes Seidl, Gonzalo Navarro, Pedro González y David Moliner entre otros.

Ha ofrecido giras y recitales en Europa, América y Asia; actuando en prestigiosos auditorios como son el Auditorio Nacional, el Palacio Real de Varsovia, el Auditorio de Zacatecas, la Universidad de Lima y el Concert Hall de Shanghai. Además, participa a menudo como profesor invitado en festivales de saxofón y música contemporánea. Su debut como solista fue en 2016 con Kammerorchester Basel interpretando la Fantasía de Heitor Villa-Lobos. Cabe destacar otras oportunidades con ORCAM, Banda Municipal de Barcelona, JOGV, Orchestre d’Harmonie Municipale de Bordeaux y Sinfonierorchester der FHNW; así como con los prestigiosos ensembles de música contemporánea Mosaik, Nadar, Proxima Centauri, Phoenix Ensemble, Sigma Project y Synergein Project.

Premiado en más de 20 concursos y artista Selmer, Pablo combina en la actualidad su identidad concertista con la labor docente, como profesor en Enseñanzas Profesionales y Superiores y desarrollando anualmente el curso internacional de saxofón y composición KlexosLab (Plasencia-València). Además, en esta temporada se encuentra de lleno en la presentación de su primer disco Lou Cabridan junto a la pianista Sinforosa Petralia, con conciertos en España, Suiza e Italia. Este disco ha sido presentado en RNE, ÀPunt y la revista Melómano.